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Travaux

L’ornement architectural : du langage classique des temps modernes à l’aube du xxe siècle

Architectural ornament: classical vocabulary from the modern period to the dawn of the twentieth century
Das Architekturornament: von der klassischen Formensprache der Neuzeit zum Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts
L’ornamento architettonico : dal linguaggio classico dei tempi moderni all’alba del xx secolo
El ornamento arquitectónico: del lenguaje clásico de los tiempos modernos al comienzo del siglo xx
Alina Payne
p. 77-96

Résumés

La littérature scientifique dédiée à l’ornement architectural des xve-xixe siècles a été profondément conditionnée par le positionnement des architectes vis-à-vis de la question. Là où les historiens de l’art du xixe siècle, contemporains du paroxysme de l’intérêt pour l’ornement, se sont employés avec enthousiasme à traiter de ce sujet, les générations postérieures l’ont relégué en marge voire ignoré, laissant à des spécialistes issus d’autres disciplines – la littérature, la philosophie, les gender studies, etc. – le soin d’assurer la continuité et le renouvellement de la recherche sur l’ornement. Au miroir de la succession du modernisme, du postmodernisme et du néomodernisme en architecture, la réception de l’ornement dans les écrits historiographiques a, elle aussi, suivi une courbe sinusoïdale, connaissant des hauts et des bas jusqu’à atteindre tout récemment un pic d’intérêt significatif. En dépit de ce renversement de tendance, qui s’intègre de diverses manières dans des discussions sur les arts décoratifs et sur les ordres, et qui se voit également affecté par la réévaluation continue des dichotomies existant entre art septentrional et art méridional, Renaissance et Maniérisme, et Baroque et Rococo, les études sur l’ornement se sont déplacées, le plus souvent, en territoire digressif, laissant ainsi des brèches qui pourront être comblées par des recherches futures dans le domaine.

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Texte intégral

1Il y a maintenant plus d’un demi-siècle, dans un livre qui devait faire date, Espace, temps, architecture, Sigfried Giedion défendait avec force le point de vue d’une histoire engagée (Giedion, [1941] 1968). À rebours de la vulgate sur l’objectivité de l’écriture de l’histoire, il y affirmait que l’historien ne pouvait examiner le passé sans avoir les deux pieds solidement plantés dans le présent, qui conditionne tout regard rétrospectif. Personne aujourd’hui ne le contredirait, et il n’est sans doute pas de meilleur domaine pour témoigner de cette qualité propre à l’histoire que celui de la recherche sur l’ornement. De fait, on ne saurait considérer la littérature sur l’ornement des temps modernes sans mentionner l’importance considérable prise par le sujet au cours des dix dernières années, que ce soit chez les artistes, les architectes, les théoriciens, les critiques ou les historiens, ou encore chez les critiques littéraires ou les musiciens.

2Les raisons de ce regain d’intérêt sont multiples. Après le refus de l’ornement en architecture tel qu’il s’est inscrit, pendant des décennies, dans le programme même du modernisme, la question a opéré un retour en force à la fin des années 1970 et dans les années 1980, comme partie intégrante des tactiques de relecture du postmodernisme, lorsque la couleur, le motif décoratif, les ordres classiques et la citation historique firent leur apparition dans le vocabulaire d’architectes comme Robert Venturi, Michael Graves et James Stirling, sans être nécessairement liés à une fonction, éveillant également l’intérêt des historiens et des critiques (Kieran, 1977). Finalement éphémère, ce mouvement a ouvert la voie au néo-modernisme, retour ostensible, voire nostalgique, aux gestes vigoureux de l’esthétique moderniste. Il reste à la postérité à mieux comprendre pourquoi la fin des années 1990 a fourni aux architectes l’occasion d’un retour à l’ornement. Mais il est clair qu’après une distanciation du postmodernisme et de son interprétation ironique de l’ornement classique, le néo-modernisme est venu au jour comme une réinterprétation plus libre du modernisme. De ce point de vue, la théorie de l’ornement, qui avait profondément marqué les débats au cours du siècle, semblait non seulement moins périlleuse mais fournissait l’occasion et des pistes d’une relecture. En bref, considéré de l’autre côté du hiatus postmoderne, le vocabulaire moderniste désormais envisagé devenait moins exclusif.

3Très symptomatique du regain d’intérêt actuel pour l’ornement, et en tête de proue du mouvement, apparaît le travail récent d’architectes en exercice tels que Jean Nouvel, Farshid Moussavi ou Herzog & De Meuron, qui ont renoué avec l’ornement tant dans leurs bâtiments que par leurs écrits (Moussavi, Kubo, 2006). Le motif ornemental, en particulier, est apparu comme le lieu de cet investissement nouveau. Conçu comme peau ou comme voile, comme surface cinétique ou comme image texturée révélant et commentant la matérialité du bâtiment, cet instrument ornemental longtemps décrié a su attiser les imaginations des architectes et offrir une fois encore de nouvelles possibilités expressives (Ornament…, 2004). Cette résurgence a pris d’autant plus d’ampleur que l’accompagnait un goût nouveau parmi les artistes contemporains et les commissaires d’exposition non seulement pour l’ornement en tant que tel (Morgan, 1992 ; Bloomer, 2000 ; Ornament und Abstraktion…, 2001 ; Anger, 2003) mais également pour les styles historiques qui, comme le baroque, ont porté l’ornement au sommet – une tendance qui doit beaucoup à Gilles Deleuze (Deleuze, 1988) et qui voit son épiphanie dans une nouvelle vague de recherches sur le Baroque (Baroque…, 2009 ; Hills, 2010).

4La recherche et les publications dans différents domaines touchant à l’ornement ont accompagné le mouvement ondulatoire, avec ses hauts et ses bas, de son histoire. Ainsi l’intérêt des praticiens s’est-il assorti, voire a été précédé, de livres et d’articles dans diverses disciplines, où l’échelle réduite, la miniature et le détail étaient repensés comme autant de manifestations positives et intenses de l’énergie créatrice, et ouvraient en même temps une nouvelle perspective pour une réévaluation de l’ornement. De la philosophie à la critique littéraire et à l’histoire de l’art, une même préoccupation du détail rassemble Gaston Bachelard (Bachelard, 1958), Susan Stewart (Stewart, [1984] 1993), Naomi Schor (s’appuyant sur Foucault ; Schor, 1987), Patricia Fumerton (Fumerton, 1991) et Daniel Arasse (Arasse, 1992), préoccupation qui, plus généralement, a profondément influencé les lettres et les sciences humaines. En outre, renforçant cette tendance, les recherches sur le cabinet de curiosités comme lieu d’exaltation du minuscule et du précieux (Grote, 1994) et les gender studies, qui ont attiré l’attention sur une esthétique féminine, injustement rejetée à la périphérie du discours artistique pour être trop dépendante du détail, trop délicate, ou pour privilégier les arts mineurs (terme péjoratif en lui-même) comme le tissage, la poterie ou la broderie, ont joué un rôle important dans la constitution d’une base théorique à partir de laquelle repenser l’ornement (Elliot, Helland, 2002). Certes, le passage des études sur l’échelle à celles sur l’ornement n’allait pas de soi et ne s’est pas produit du jour au lendemain. De plus, l’architecture moderne avait déjà porté son attention au détail, aux articulations et à l’appareillage (Frascari, 1984), mais il n’en demeure pas moins que cette revalorisation culturelle du minutieux, du marginal et de leurs esthétiques a créé le terrain fertile d’une réévaluation positive de l’ornement qu’il faut savoir décrypter.

L’ornement par le biais du xixe siècle et des arts appliqués

5Le nouvel intérêt scientifique pour l’ornement est suscité dans les années 1990 par plusieurs études fondamentales parues alors, qui considèrent l’ornement de façon très large et dans une perspective pluridisciplinaire (Collomb, Raulet, 1992 ; Raulet, Schmidt, 1993 ; Franke, Paetzold, 1996 ; Ceccarini et al., 2000), mais qui se concentrent pour l’essentiel sur les xixe et xxe siècles. Dans le cas de l’architecture, cela n’est pas surprenant. Depuis la seconde moitié du xixe siècle et à partir de Gottfried Semper, John Ruskin et Augustus Pugin jusqu’à Adolf Loos et Le Corbusier, l’intérêt pour l’ornement, dont on s’est réclamé pour ensuite le dénoncer, décrit une sorte de sinusoïde, jamais interrompue ni brisée. Tour à tour considéré comme un marqueur important de la vigueur d’une culture et démonisé comme fétichiste et anachronique, un lien facile avec un passé dénué de sens, l’ornement est une des trames principales du discours sur l’architecture.

6Il en résulte que le domaine le plus actif vis-à-vis de l’ornement, sinon le premier à répondre aux tendances manifestées par la pratique architecturale ainsi que par les lettres et les sciences humaines, fut celui de la recherche sur le xixe et la première décennie du xxsiècle. Non seulement la période est riche en publications sur le sujet, mais, étant particulièrement emblématique de l’entrée dans le modernisme, elle est aussi essentielle pour la compréhension de ce courant. À bien des égards, c’est en analysant cette époque que la plupart des questions et des outils méthodologiques de la recherche sur l’ornement en architecture furent élaborés, bien qu’elle ne fût pas la première à proposer un programme de relecture déjà engagé par les chercheurs étudiant les temps modernes. Ce qui donne néanmoins plus de poids théorique et de pertinence aux travaux de recherche sur cette période, c’est qu’elle vit la formation de l’histoire de l’art comme discipline et que les outils développés par ses fondateurs Jacob Burckhardt, Heinrich Wölfflin, Alois Riegl et August Schmarsow tournaient autour des notions fondamentales d’ornement et de style importantes à l’époque (Burckhardt, [1868] 1885 ; Schmarsow, 1897 ; Wölfflin, [1888] 1967 ; Riegl, [1901] 1985). Une fois encore, historiographie et modernité s’entrecroisent.

7Cet intérêt pour l’histoire de l’ornement à l’époque contemporaine se traduit également par une déviation de l’attention scientifique. D’une part, depuis Architectural Ornament: Banishment and Return de Brent C. Brolin (Brolin, 1985), se sont multipliés les études (Snodin, Howard, 1996 ; Irmscher, 2005) et les catalogues d’exposition (Ornament und Architektur…, 2007), qui brossent de larges panoramas de l’évolution de l’ornement à travers les siècles ; d’autre part, un domaine connexe s’y taille la part du lion, en l’occurrence les arts appliqués. Depuis les analyses mémorables de Semper, pour qui les objets du quotidien, leur décor et leur fabrication constituaient une sorte d’ADN de la culture et le ferment créateur des arts monumentaux – au premier rang desquels, l’architecture –, les deux domaines de recherche, sur l’ornement et les arts appliqués, se sont entremêlés ; ils ont même fusionné pour refaire surface un demi-siècle plus tard dans les théories qui sous-tendent ces symboles « forts » de la modernité que sont le Deutscher Werkbund ou le Bauhaus. Ainsi, bien que les travaux consacrés aux arts appliqués ne soient pas focalisés sur l’ornement en tant que tel, les débats dont ils rendent compte, les sources écrites et l’art qui en fait l’objet sont étroitement liés à la question de l’ornement.

8De fait, nombre de questions qui se posent au xixe siècle tournent autour de la place de la production industrielle dans la culture. Ce sujet fut propulsé à grand bruit au centre du débat par Semper et son célèbre Science, Industry and Art (Semper, [1852] 1966), une vaste réflexion inspirée par l’Exposition universelle de Londres de 1851. Par la suite, le désir d’éduquer le goût du public – en particulier des nouvelles classes moyennes – et de former des designers anima tant les professeurs des écoles d’art que les administrations gouvernementales et conduisit à constituer des collections pour les musées, à organiser des expositions et à créer de nouvelles écoles d’artisans, dont le South Kensington Museum à Londres, le Museum für Kunst und Industrie à Vienne et le Musée des Arts décoratifs à Paris furent les plus célèbres (Brunhammer, 1992 ; A Grand Design…, 1997 ; Burton, 1999 ; Kunst und Industrie…, 2000). S’ensuivit rapidement la publication de nombreux ouvrages sur la Wohnungskultur [la culture de l’habitat] au cours des différentes périodes de l’histoire, en vue de fournir des exemples à même d’instruire tant le public que les stylistes (par exemple, Viollet-le-Duc, 1858-1870 ; Falke, 1871 ; Bode, 1902 ; Schottmüller, 1921). Cet environnement réformateur complexe, tourné à la fois vers les arts et l’industrie, engendra des sommes considérables sur l’ornement, puisqu’une grande part des interrogations portait sur l’étendue et la nature des décorations que nécessitaient les objets destinés à la production de masse. Ces écrits au spectre large, de l’analyse historique au simple manuel, étaient autant destinés aux artisans et aux théoriciens qu’aux architectes (Shaw, 1842 ; Wornum, [1855] 2009 ; Redgrave, 1876 ; Blanc, 1882 ; Ward, 1897). Conçue pour soutenir l’ampleur didactique du mouvement, cette littérature a provoqué aussi l’intérêt profond des modernistes pour les arts appliqués. Par la suite, cette séquence de l’histoire a suscité des analyses qui lui sont propres, essentiellement consacrées au début du xxe siècle (Long, 1997-1998 ; Maciuika, 2005). Ce mouvement a en outre installé au premier plan les débats sur l’ornement et les arts appliqués, et maintenu le premier dans le champ des préoccupations des chercheurs, mêmes lorsque ceux-ci ne travaillaient pas directement sur le sujet (Anderson, 1908 ; Buddensieg, [1979] 1984). Herman Muthesius, qui fait partie de ces architectes et théoriciens presque toujours placés en tête des histoires du modernisme, n’a-t-il pas intitulé l’un de ces articles « Neues Ornament und neue Kunst » (Muthesius, 1901) ? C’est dans ce genre de texte manifestement tourné vers l’ornement qu’il devait mettre en place son programme économique et culturel qui devint le cri de ralliement du Werkbund.

9Fait important, non encore relevé, mais qui a largement contribué à l’intérêt que lui a manifesté la recherche du xixe siècle, l’ornement s’est trouvé à l’intersection d’interrogations de plusieurs disciplines, comme l’anthropologie, l’archéologie, l’ethnologie et l’histoire de l’art : ainsi des pionniers dans ces domaines, tels que Alexander Conze (Conze, 1862), Hjalmar Stolpe (Stolpe, 1890), Alois Riegl (Riegl, [1893] 1992) et Alfred Haddon (Haddon, 1894), ont-ils pu échanger leurs opinions sur cette question. Le style constituait le dénominateur commun de leur travail et, puisque l’ornement lui était lié, au moins depuis la publication du Der Stil de Semper (Semper, [1860-1863] 2004), il était devenu l’indispensable instrument d’identification, de classification et d’interprétation des objets et des cultures qui les produisaient (anciennes ou contemporaines, primitives ou étrangères dans l’espace ou le temps). Ce partage des objets d’étude signifie que les méthodologies traversèrent elles aussi les murs encore poreux de ces jeunes champs de recherche, soulignant ainsi la place centrale qu’occupa l’ornement au sein des sciences humaines à la fin du xixe siècle. En outre, la réflexion sur l’ornement ne manqua pas d’influencer la critique architecturale du siècle, dans la mesure où les débats autour du style à adopter furent en dernier lieu consacrés à l’ornement « convenable » (le costume historique) des bâtiments de l’époque (Hübsch et al., 1992). L’intérêt si largement partagé, intuitivement sinon ouvertement, pour ce qui relevait de l’ornemental est sans doute l’une des raisons pour lesquelles la recherche sur le discours au sujet de l’ornement au xixe siècle a récemment pris un tel essor.

10Cette activité critique et éditoriale intense tient à ce que le travail scientifique sur l’ornement a d’abord essaimé dans le champ des arts appliqués. De même, les principaux théoriciens et architectes de cette période ayant fait l’objet de nouvelles études et de relectures, leurs réflexions sur l’ornement ont elles-mêmes été reconsidérées : leurs écrits ont été réédités et réimprimés (Semper, [1860-1863] 2004 ; Mallgrave, 1996 ; Frank, 2000 ; Maciuika, 2005) ; les sources auxquelles se sont abreuvés ce mouvement et d’autres, comme celui des Arts and Crafts ou le Bauhaus, ont attiré l’attention ; les manuels du xixe siècle consacrés à l’ornement et destinés aux artisans et aux architectes ont été réimprimés (Jones, [1856] 2001 ; Meyer, [1888] 1974 ; Speltz, [1904] 1906 ; Schneider-Henn, 1997) et les ouvrages théoriques sur le sujet ont été traduits (Riegl, [1893] 1992). Finalement, dans cet environnement critique favorable, des architectes comme Louis Sullivan, dont les bâtiments lourdement décorés ont posé problème pour la téléologie du modernisme et en sont devenus les victimes, ont vu leur étoile briller à nouveau (Weingarden, 1987 ; Van Zanten, 2000). Dans un article de 1959, le jeune Vincent Scully, Jr. avait déjà courageusement défié le petit monde de l’architecture – sous les auspices de Philip Johnson – en prenant la défense, seul et contre tous, du travail ornemental de Sullivan (Scully, 1959). Mais il fallut attendre l’œuvre de Venturi (Venturi, [1966] 1976) pour que cette lecture positive de l’ornement acquière du poids.

11Marquant cette inflexion vers les arts appliqués, une nouvelle revue fut fondée et un programme d’études, sanctionné par un diplôme, leur fut spécifiquement consacré : Studies in the Decorative Arts est lancée en 1993, tandis que le Bard Graduate Center for Studies in Decorative Arts, qui publie cette revue, ouvre ses portes à New York. Exemple du travail qui émerge de cette initiative, le catalogue de l’exposition E. W. Goodwin: Aesthetic Movement, Architect and Designer couvre, malgré sa présentation monographique, un large spectre : ornement, arts appliqués, décors de scène et œuvre architecturale (E. W. Godwin…, 1999). Le travail auquel se livre Nancy Troy dans son analyse des antécédents de l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de 1925 se situait dans une perspective plus critique, explorant la transition avec le xxe siècle, c’est-à-dire la fin du discours sur les arts appliqués (Troy, 1991).

12Parallèlement, des évaluations plus systématiques de la théorie de l’ornement au xixe siècle ont vu le jour, quoique la plupart aient eu tendance à se centrer sur les milieux de langue allemands (Kroll, 1987 ; Schafter, 2003 ; Ocon Fernandez, 2004). Elles constituent cependant un bien plus faible courant dans la recherche scientifique. Ces approches ont le mérite de s’être intéressées directement à l’ornement, sans passer par le biais des arts appliqués. Ainsi Frank-Lothar Kroll brosse-t-il un vaste tableau qui comprend l’architecture mais va au-delà, en passant systématiquement en revue un matériau qui s’étend du court essai de Goethe « Von Arabesken » aux derniers débats sur l’ornement, en passant par Kant et Worringer. Plus ciblé, le principal argument de María Ocon-Fernandez porte sur la place de l’architecture parmi les arts au xixe siècle, relation à laquelle l’ornement, constate-t-elle, contribue pour une part importante. Ce discours dépasse d’ailleurs le cadre du xixe siècle et s’inscrit dans une longue série de débats qui remontent à la Renaissance (Payne, 2002). Examinant le discours philosophique du xixe siècle, l’auteur retrace la manière dont l’architecture fut d’abord conçue comme art, notamment en raison de son rapport à l’ornement. Puis, une fois forgée son alliance avec les arts appliqués (Kunstgewerbe), elle fut inscrite parmi les arts fonctionnels – ce qui déclencha une crise de l’ornement – et, enfin, une fois que les architectes esthétisèrent la technologie, elle retourna aux rangs des arts, mais cette fois, sans qu’il soit nécessaire de recourir à l’ornement. Une position encore plus intéressante, car elle opère un véritable renversement, est celle de Valérie Nègre (Nègre, 2006), qui s’intéresse à l’ornement du point de vue de la revendication centrale du modernisme. Dans le récit qu’elle en donne, la production d’éléments ornementaux au xixe siècle, fondus, moulés, ou constitués d’une grande variété de matériaux, n’est rien moins que moderne, industrielle et standardisée, en clair, une production de masse.

Ornement et architecture par le prisme de l’historiographie

13L’ornement n’a pas toujours fait figure de parent pauvre de l’histoire de l’art. En outre, et c’est peut-être le point le plus important, les préoccupations du xixe siècle concernant les arts appliqués et l’ornement ont laissé leur empreinte sur le champ en développement de l’histoire de l’art dans les années même où il se formait. Et c’est justement dans les écrits fondateurs de la discipline – portant majoritairement sur la Renaissance – que ces préoccupations se ressentent avec le plus de force. Ainsi, dans Die Baukunst der Renaissance de 1867 (qui est en fait une histoire de l’architecture à la Renaissance), Jacob Burckhardt divise son sujet en deux parties : l’architecture et la décoration (Burckhardt, 1867). Bien qu’il ne s’agisse que des fragments d’un livre resté inachevé qu’il préparait sur les arts de la Renaissance dans leur ensemble, et que Wilhelm Lübke réussit a lui faire publier en partie, le volume accordait aux deux subdivisions une égale importance, témoignant ainsi de l’intérêt manifesté pour l’ornement à la fin du xixe siècle. Après tout Burckhardt était le collègue de Semper à la Eldgenössische Technische Hochschule (ETH) de Zürich et lui aussi répondait aux grandes questions de son époque. D’ailleurs, Semper n’était pas le seul à qui se référait Burckhardt. Son ami et correspondant de toute une vie, Heinrich von Geymüller, architecte et érudit, ainsi que Max Alioth, autre architecte et ami proche, furent ses yeux et ses oreilles tournés vers les monuments, et l’aiguillon des préoccupations dans la profession.

14De fait, Geymüller, avec sa somme monumentale et exceptionnellement illustrée, Die Architektur der Renaissance in Toscana, offre presque un pendant au volume de Burckhardt (Stegmann, Geymüller, 1885-1908). Les deux ouvrages comprennent tout un éventail de formes ornementales, des plus simples, comme les arabesques associées à tel ou tel matériau (par exemple, incrustations dans le marbre ou marqueteries), jusqu’aux assemblages complexes qui constituent de fait un moyen terme entre sculpture et architecture (par exemple, fonts baptismaux ou monuments funéraires) ; ils lancent même des incursions vers les arts appliqués (par exemple, torchères et arabesques) et le mobilier. Plus attaché aux carrières individuelles des artistes, Geymüller inclut dans son étude de l’architecture des sculpteurs comme Giuliano et Benedetto Da Maiano, Donatello et d’autres, qui produisirent ce type d’œuvres. Investis dans l’architecture, ils en faisaient partie ; Geymüller comme Burckhardt surent reconnaître ce rapport entre sculpture et architecture. Plus important encore, Burckhardt définit un domaine de l’ornement à la Renaissance qui tend vers une certaine autonomie et le présente explicitement comme tel, le distinguant clairement de ce qu’il était au Moyen Âge.

15Quelques décennies plus tard Heinrich Wölfflin et Alois Riegl signalent eux aussi l’importance de l’ornement dans l’architecture moderne. Dans Spätrömische Kunstindustrie (Riegl, [1901] 1985) et dans Stilfragen (Riegl, [1893] 1992), c’est par l’ornement que Riegl parvient à son concept de Kunstwollen, tandis que chez Wölfflin l’ornement, en tant que détail et geste artistique infime, est la localisation même du style, ce qui devint le point central de son argumentation dans Renaissance und Barock (Wölfflin, [1888] 1967). Ses travaux ultérieurs font trop facilement oublier que Wölfflin élabora sa conception du style en référence à l’architecture et que l’ornement y représentait à ses yeux un point sensible où pouvaient se détecter les premiers signes d’un changement de style. Intimement lié au corps, affirme Wölfflin, il est le lieu où se joue l’interaction principale entre le spectateur et l’architecture. Sans engager directement la théorie de l’empathie comme le fait Wölfflin, la désormais célèbre dialectique optique/tactile que Riegl met en œuvre dans son analyse de l’art romain tardif s’appuie sur une conception similaire du corps et de son importance pour la compréhension de l’ornement et de la Kunstindustrie, l’« industrie d’art ». Par la suite, tant la théorie de l’empathie que la lecture formaliste (auxquelles Wölfflin et Riegl sont tous deux étroitement associés) ont été discréditées par tout un courant de la recherche scientifique qui s’est attaché à replacer le phénomène artistique dans son contexte politique, culturel et économique. Avec cette nouvelle génération, l’ornement aussi disparaissait de la scène des investigations en histoire de l’art.

16Ernst Gombrich, formé à l’école de Vienne, fut peut-être l’ultime représentant de cette tradition et celui qui en assura la postérité dans la recherche contemporaine, avec The Sense of Order: A Study in the Psychology of Decorative Art (Gombrich, 1979), vertigineuse étude, qui entrelace espace, temps et supports, où se mêlent psychologie, vision, arts décoratifs et ornement. L’histoire de ce livre révèle par ailleurs clairement la position ambivalente à l’égard de l’ornement qui fut celle de la fin des années 1970 : déjà en 1982 le titre de la traduction allemande (Ornament und Kunst: Schmucktrieb und Ordnungssinn in der Psychologie des dekorativen Schaffens) mentionne non seulement le mot lui-même, mais utilise en tout trois termes du même registre lexical quand l’anglais n’en compte qu’un. Contrepoint à L’Art et l’Illusion (Gombrich, (1960) 1971), l’ouvrage relevait peut-être d’une conception trop large pour prétendre faire école ou indiquer une voie précise dans la recherche consacrée à l’architecture (bien qu’il ait été réédité en 1984). Venu trop tôt, avant le regain d’intérêt suscité par le discours des arts appliqués, trop exclusivement centré sur ces derniers pour retenir l’attention de ceux qui revenaient à l’ornement, portés par la vague de fond du postmodernisme, son livre demeura sans descendance.

L’écran moderniste et le biais des ordres

17Peut-être ne faut-il pas trop s’étonner que l’esthétique de l’architecture postmoderniste, avec son engouement renouvelé pour les ordres des colonnes et leurs ornements, ait immédiatement laissé sa marque sur la recherche portant sur le vocabulaire classique, qu’il s’agisse des études consacrées à l’architecture antique ou bien à celle des temps modernes. La recherche scientifique sur la Renaissance avait une histoire commune avec l’essor du modernisme lui-même et la présentation de l’ornement comme un des enjeux primordiaux posait des problèmes de fond. Comme je l’ai ailleurs souligné (Payne, 1994), la lecture de la Renaissance que donne Rudolf Wittkower dans son justement célèbre ouvrage Principes de l’architecture à la Renaissance (Wittkower, [1949] 1996), qui a orienté et influencé depuis la recherche, est profondément marquée par les courants intellectuels et par le goût de l’architecture de son temps. L’importance qu’il accorde à une conception rationnelle, mathématique, abstraite de l’architecture à la Renaissance, ainsi qu’une analyse qui privilégie les organisations en damier, les proportions et les rapports plan/volume entre les espaces doit beaucoup aux tendances de l’architecture moderne, contemporaine de la conception du livre dans les années 1940. Il n’est pas anodin que l’ouvrage laisse précisément de côté la catégorie de l’ornement. Certes, le thème revient de façon détournée lorsque Wittkower se penche sur la redécouverte de l’Antiquité par les humanistes et notamment sur leur goût pour la citation – souvent fondé sur l’incorporation de formes ornementales prises comme éléments d’iconographie –, mais l’ornement en tant que tel n’y apparaît pas comme l’un des axes qui permettraient d’appréhender l’architecture de la Renaissance.

18La méthode qui prévalait alors, dans la phase la plus moderniste de la recherche sur l’architecture moderne, n’encourageait guère un changement de perspective, pas plus que les courants dominant l’écriture de l’histoire, influencés par l’école des Annales (férue de vastes géographies et des abondantes bases de données fournies par les sciences sociales), ou que l’histoire sociale elle-même, qui marqua profondément la discipline. Étant donné la constellation de problèmes qui circonscrivaient les champs d’étude et les méthodes utilisées pour les résoudre, l’ornement se trouva inévitablement orphelin. Dépourvu de soutien théorique ou méthodologique, le travail sur l’ornement s’avérait difficile ; il fut relégué à la marge. Même dans les rares occasions où, en tant que tel, il parvenait à concentrer l’attention, la recherche le dédaigna-t-elle bien vite : les façades Renaissance dites en sgraffito (« gravées » dans le mortier, selon un procédé qui se prête remarquablement aux motifs végétaux ou aux entrelacs), publiées en 1964 par Gunther et Christel Thiem restèrent sans écho ou presque durant près de quarante ans (Thiem, 1964 ; Schmitter, 2002 ; Payne, 2009). De la même manière, Säule und Ornament d’Erik Forssmann (Forssman, 1956 ; voir également Zöllner, 1959 et Forssman, 1961), n’eut de réelle descendance qu’à partir des années 1980. Le travail de Forssman, à l’apogée du modernisme, ne fut possible que parce qu’il se situait dans une perspective méthodologique plus vaste : originellement présenté comme une contribution à un effort d’inscription du maniérisme dans les styles architecturaux, son livre s’intéressait aux formes architecturales d’Europe du Nord liées aux ordres des colonnes et aux grotesques. L’ornement « excentrique » n’était guère analysé que de ce point de vue, qui déterminait, de fait, l’attention de la plupart des chercheurs lorsqu’il leur arrivait de considérer la question : il s’agissait surtout d’établir une voie de liaison – et celle-ci était prometteuse – entre architecture et arts visuels, où le maniérisme, utilement inséré entre Renaissance et baroque, permettait de subdiviser et de nuancer un siècle d’activité artistique, entre environ 1520 et 1620. Une fois le maniérisme écarté du domaine de l’architecture (Lotz, 1963), l’attachement des chercheurs pour l’ornement en tant que champ d’étude se relâcha. La postérité de ce travail surgit finalement d’une perspective tout à fait différente, motivée par le regain d’intérêt des praticiens pour l’ornement d’une part et par l’essor du postmodernisme d’autre part. Dans l’intervalle, le changement ne vint pas d’un nouveau développement théorique – exceptée l’attention accordée au détail dans d’autres champs des sciences humaines et des lettres, encore distants de la recherche en architecture – mais, une fois de plus, d’un déplacement du point de vue de l’architecture contemporaine, en bref de l’essor du postmodernisme et avec lui de tout ce qui avait été marginalisé, élidé, voire ouvertement condamné par les théoriciens et apologistes du modernisme.

19Les recherches sur l’ornement dans l’Islam portent également sur une période qui correspond au début des temps modernes, et elles se sont attaché des travaux importants et constants, bien que ceux-ci soient restés sans écho dans les courants principaux de l’histoire occidentale de l’art. Peut-être parce qu’elle s’est maintenue à l’écart de la tempête moderniste et de son centre, l’étude de l’ornement en Islam fut moins accablée par l’orthodoxie moderniste et ne fut donc pas jugée à l’aune de ses sous-entendus (ou de ses effets potentiellement déstabilisants sur la pratique contemporaine). Mais elle n’a pas non plus connu de grand retentissement. D’une certaine façon, cela semble être le destin de toute réflexion sur l’ornement hors de l’Occident, depuis les travaux d’Ananda Kentish Coomaraswamy consacrés à l’Inde (Coomaraswamy, 1995), jusqu’à l’ouvrage d’Oleg Grabar The Meditation of Ornament (Grabar, 1992) ou à celui de Gülru Necipoğlu, Topkapi Scroll (Necipoğlu, 1995), qui, quelque importante qu’ait été leur contribution dans leur propre champ, demeurent peu ou prou ignorés des bibliographies consacrées à l’architecture des temps modernes. Seule la relation entre l’ornement islamique, en tant que motif géométrique, et les origines de l’art abstrait au xixe siècle échappe à ce type de schéma. La récente exposition du Musée des Arts décoratifs Purs décors ? Art de l’Islam, regards du xixe siècle (Purs décors ?…, 2007), qui s’intéresse aux passerelles qu’on peut établir entre l’ornement islamique et l’essor de l’abstraction (Necipoğlu, 2007), atteste de l’interdépendance de la recherche dans les deux domaines.

20L’art de l’Islam a invité à l’étude du motif et de l’ornement géométrique, établissant ainsi des liens avec les questions débattues lors de la réforme des arts décoratifs au xixe siècle, tandis que les recherches sur l’architecture moderne n’avaient pas de rapport direct avec ces discussions ni avec leur suite dans la théorie architecturale au xxe siècle ; par conséquent elles furent plus lentes à se frayer un chemin. Pourtant l’intérêt pour les ordres classiques, tel que le connut l’architecture des années 1980, provoqua aussi une littérature scientifique, bien que celle-ci se limitât inévitablement à la colonne et aux ornements qui l’accompagnent, à l’exclusion de tout autre dispositif ornemental. L’étroitesse du champ envisagé est également due au fait que les carnets de dessins conservés (taccuini), comme les traités, à commencer par le texte paradigmatique de la Renaissance, le De architectura de Vitruve (Vitruve, 1992), sont essentiellement consacrés aux ordres quand ils se penchent sur l’ornement, et ont donc encouragé les chercheurs à se concentrer sur cet aspect à l’exception ou presque de tous les autres.

21La colonne n’apparaît pourtant pas dépourvue de tout bagage moderniste, bien qu’elle provienne de l’architecture antique. Il s’agit même d’un concept chargé, puisque les modernistes l’ont utilisée (qu’elle soit en béton ou en acier) comme signifiant d’une approche rationaliste moderne de l’économie structurelle, de la fonctionnalité et de l’élégance mathématique. Par la suite, son traitement par la recherche s’attacha moins à son rôle ornemental qu’à sa fonction en tant qu’élément syntaxique ou d’ordonnancement, comme chez Wittkower (Wittkower, [1949] 1996). Les préoccupations tectoniques du discours architectural contemporain ont en outre contribué à resserrer le cadre des études sur la structure des bâtiments, de plus en plus considérée comme support d’une valeur sémiotique (Tzonis, Lefaivre, 1986). En ce qui concerne les ordres, le point culminant de cette tendance (clairement à l’œuvre dans les années 1980 et notamment dans l’architecture de Peter Eisenmann) fut atteint avec l’ouvrage de Joseph Rykwert Dancing Column (Rykwert, 1997), étude verticale consacrée à l’iconographie de la colonne, depuis la Grèce archaïque jusqu’aux modernes.

22Un tel intérêt du monde savant résulte peut-être aussi d’une lecture trop partiale et trop fidèle tout à la fois de Leon Battista Alberti, pour qui la colonne constituait le plus noble des ornements – alors même qu’il n’accordait pas moins d’importance au revêtement et aux surfaces matérielles (Smith, 1994). Le rôle d’Alberti, en arrière-plan, comme éminence grise du retour aux ordres, fut encore souligné par la parution d’une nouvelle traduction en anglais (Alberti, [1485] 1988) et par les travaux attachés à mettre en valeur la dimension sémiotique de sa conception de l’architecture (Choay, [1974] 1980). Cette intense activité savante s’est poursuivie dans les années 1990 avec la fondation de la revue Albertiana (1998) et des travaux de plus en plus centrés sur la définition de l’ornement par le maître italien (Syndikus, 1996 ; Biermann, 1997) soutenue par de nouvelles monographies (Tavernor, 1998 ; Grafton, 2000).

23S’il s’intéressait à la fois au maniérisme et à l’architecture de l’Europe du Nord (un rapprochement qui devint de rigueur par la suite), Forssman (Forssman, 1956) distinguait ornement et ordres des colonnes. Qu’il ait eu tort ou raison – car dans la définition d’Alberti, ils sont réunis –, en agissant de la sorte il attirait l’attention sur un domaine de définition de l’ornement plus vaste que celui de la seule colonne, mais cette approche de plus grande envergure n’a pas été suivie par les travaux de recherche ultérieurs. Cela ne diminue en rien l’importance d’une distinction entre les classes ornementales et leurs fonctions, dont on risque de confondre les termes si l’on ne parvient pas à l’envisager. C’est l’un des grands mérites du livre de Grabar que de considérer la catégorie de l’ornement dans son ensemble et de chercher à analyser son mode opératoire (Grabar, 1992), à la différence des publications sur les ordres qui se sont multipliées entre les années 1980 et 1990, mais qui n’ont que rarement pris en compte l’ornement en tant que tel. Ainsi Grabar a-t-il distingué ornement et décoration (selon lui l’un relevant de la classification des formes, et l’autre de l’action qui les déploie), distinction que l’on ne retrouve guère dans la plupart des études et qui aurait pourtant dû être prise en compte. Les nuances qu’il apporte au débat, se concentrant essentiellement sur l’art et l’architecture de l’Islam (bien qu’aux siècles caractérisés en Occident comme la fin du Moyen Âge), sont restées sans grand écho. Certes, on a vu fleurir, selon les langues des auteurs, de nombreux termes, surtout au xixe siècle, où le sujet était en vogue, mais sans définitions précises. À la Renaissance, pourtant, le terme ornement désignait la catégorie indubitablement prédominante dans la tradition tant de Vitruve (qui parle d’ornamentum) que de la rhétorique antique, l’une et l’autre ayant servi de modèle aux premiers théoriciens, dont bien sûr Alberti. L’ornatus était un élément stable et très structuré (qui regroupait les figures du discours et les tropes) des traités de rhétorique, comme ceux de Cicéron ou de Quintilien, un des traits fondamentaux de l’éloquence, l’une des voies vers la delectatio. Occupant presque toujours un chapitre ou un livre entier du traité, l’ornement rappelait au lecteur la place cardinale qui lui revenait.

24Même si la définition des termes a longtemps semblé ne pas constituer une tâche prioritaire, toutefois parmi les questions urgentes à démêler figurait celle de la distinction entre les conceptions des ordres dans l’Antiquité et celles de la Renaissance, car entre Vitruve et ses commentateurs s’ouvrait un abîme herméneutique (Thoenes, Günther, 1985 ; Guillaume, 1992 ; Rowland, 1994, tout comme dans la plupart des articles publiés dans les Annali di architettura, anciennement intitulées Bollettino del Centro internazionale di architettura Andrea Palladio). Un travail soutenu sur le De architectura de Vitruve (tant sur sa réception par les spécialistes de l’Antiquité que par ceux de la Renaissance) a marqué cette phase d’appréhension de l’ornement. La contribution la plus importante sur les ordres qu’aient livrée les années 1980 et 1990 fut une évaluation serrée des traités de la Renaissance (Guillaume, 1988 ; Hart, Hicks, 1998 ; Payne, 1999). L’influence de l’étude du texte sur cette période compte parmi les axes sur lesquels se développa cette orientation. Elle eut en outre une autre conséquence : elle encouragea l’édition en fac-similé de nombreux traités, alimentant ainsi le champ de la recherche en matériaux accessibles de première main.

25John Onians est un des premiers auteurs, avec Bearers of Meaning (Onians, 1988), qui ouvrit la voie de l’étude iconographique pour la recherche sur les ordres : il s’intéresse également aux traités, mais consulte en outre le « contenu » ornemental, mettant en lumière le sens iconographique des ordres et leurs implications sociales. Pour cette lecture, qu’ont poursuivie d’autres chercheurs au cours de la décennie qui s’ensuivit, la rhétorique apparaît également comme un axe important de compréhension de l’ornement, dans la mesure où elle permet d’établir des équivalences entre les ordres et les styles du discours : les comparaisons entre Cicéron et Alberti, Quintilien et Serlio ouvrent la possibilité de penser l’ornement comme « langage » et tropes rhétoriques (Pauwels, 2000). Les catégories du décor et celle de la convenance/bienséance se correspondent dans la théorie classique française de l’ornement et sont envisagées la plupart du temps soit par rapport à leurs conséquences philosophiques, soit, plus directement, en référence à l’architecture de Claude Perrault commentateur de Vitruve (Herrmann, 1973 ; Claude Perrault…, 1988 ; Caye, 1999 ; Petzet, 2000). Les travaux antérieurs, à savoir l’ornement architectural à la Renaissance, ont posé des problèmes aux spécialistes de l’architecture française, et la fréquente hybridité des formes – comme à Saint-Eustache, où se mêlent le gothique et la Renaissance – a entraîné le rejet de l’un ou l’autre langage comme douteux ou « mal compris ». La distinction moderne entre structure (intrinsèque) et ornement (rajouté) se télescope dans ces bâtiments, et leur composante ornementale en tant que telle fut essentiellement éliminée de leurs histoires (Sankovitch, 1998).

26La théorie littéraire (Payne 2000a, 2002) offre une autre possibilité d’interprétation. Puisque les ordres ont été conçus à l’imitation du corps humain et de l’habitat des divinités à qui ils sont dédicacés à l’origine, la théorie de l’imitation (de la mimesis) des arts littéraires (la poésie) et de leurs stratégies narratives est également apparue comme une ressource théorique importante de l’architecture. Lue de ce point de vue, la composition de l’ornement architectural à la Renaissance révèle la présence d’un élément narratif ou d’un istoria propre à l’architecture – la transmission de la charge par un réseau de membres porteurs comprenant tant des formes abstraites que figuratives. En outre, la participation des architectes à la culture littéraire et textuelle de la période, que renforçait la réappropriation collective de Vitruve dans les milieux humanistes, permit à la théorie des néologismes dans le langage, sujet central de la questione della lingua, d’influencer celle de la formation de nouveaux ornements. La théorie de l’invention, autant que les principales métaphores qui lui sont associées (les monstres, par exemple), traverse ainsi la théorie architecturale, proposant une logique discursive du déploiement de l’ornement (Payne, 1998, 2000b ; Pauwels, 2002). Un tel lien avec le littéraire paraissait révolutionnaire voire hérétique dans un contexte architectural d’où le littéraire a été chassé, dénoncé comme rétrograde, tant par les modernes que par les classiques au motif qu’il était un anachronisme romantique et perturbait l’autonomie de l’architecture en tant qu’art (Scott, 1914 ; Collins, 1965). Toutefois, ce lien permit d’envisager des échanges avec les arts dits figuratifs qui n’avaient pas été possible avant.

27Parmi ces recherches, Venise fait figure d’exception. Signalée d’abord par Ruskin, dont le succès de Stones of Venice ne se dément pas, Venise et son ornement retiennent sans lasser l’attention (Ruskin, [1851] 1906 ; voir, entre autres, Schulz, 1968). La récente vogue pour les cultures méditerranéennes a conduit à mettre l’accent sur la nature hybride de son architecture (Howard, 2000). De même, Wolfgang Wolters, qui intitule son dernier livre Architektur und Ornament (Wolters, 2000) et forge le terme Bauschmuck [parure architecturale] pour une classe d’ornements qui ne se limiterait pas aux ordres, s’est particulièrement intéressé à Venise, dépassant les limites traditionnelles de la recherche sur l’ornement architectural. Peut-être Venise constitue-t-elle à cet égard un bastion isolé d’intérêt inépuisable pour l’ornement, dont le thème n’apparaît pourtant pas dans les ouvrages publiés chez Electa (par exemple, Secondo Cinquecento, 2001 ; Primo Cinquecento, 2002), qui, quoique magistralement conçus, demeurent centrés sur les thèmes traditionnels (les architectes, les types de construction et les régions). Autre bastion isolé, clos dans son monde médiéval, Sienne aussi a attiré récemment l’attention des chercheurs travaillant sur l’ornement. Cependant, même si l’ornement est un axe important de cette relecture, la discussion est conçue du point de vue de la sculpture et non de l’architecture ; les échanges entre les arts que l’ornement facilite ne sont pas signalés ni abordés (Angelini, 2005).

28Paradoxalement, le lieu le plus évident pour une recherche sur l’ornement avant 1800 est peut-être le moins présent dans la littérature scientifique actuelle : le rococo et, plus largement, le xviiie siècle ont peu attiré l’attention, du moins jusqu’à récemment. Non seulement, les ordres n’ont pas été un sujet très prisé à l’époque du rococo, mais de plus l’ombre portée par Marc-Antoine Laugier et par les néoclassiques, qui jouèrent un rôle si important dans l’auto-construction du modernisme, augurait que le rococo serait plongé dans l’oubli. L’entreprise de redécouverte – ce qui n’est guère surprenant – est venue de la recherche sur les intérieurs, conçus comme ce que la culture rococo offre de plus emblématique. Il en résulte que l’accent mis sur les arts appliqués, qui caractérise la recherche sur le xixe siècle, a ici aussi laissé son empreinte : l’ornement architectural en tant que tel occupe donc peu les analyses qui portent sur le xviiisiècle. À ce stade, il s’agit encore d’établir un corpus et une typologie. Qu’ils soient allemands ou français, provenant de l’abbatiale d’Ottobeuren, de la résidence de Wurtzbourg ou de l’hôtel Mazarin, les dessins des décorateurs et des architectes sont collectés et publiés, rassemblant ainsi entre deux plats de couverture des objets et des scènes peintes, des tapis, des cartouches, des motifs et des ensembles ornementaux pour la décoration intérieure (French Architectural…, 1991). Pourtant, à l’inverse de ce qu’a connu la recherche sur la Renaissance, l’artisanat d’art – la sculpture, la taille ou la découpe du bois, du métal et du papier pour la réalisation d’objets ou de formes sculpturales destinées à orner les intérieurs permanents ou éphémères, durables ou périssables (Metken, 1978 ; Friedrich, 2004 ; Taking Shape…, 2009) – a beaucoup plus retenu l’attention. La relecture des questions économiques et sociales dans le déploiement et la réalisation des ensembles ornementaux (qu’il s’agisse de la clientèle ou de l’organisation du travail sur ces projets, de l’apparition de directeurs de travaux ou de la disparition du rôle autrefois joué par les tapissiers pour coordonner les projets, etc.) s’est avérée l’une des voies les plus intéressantes empruntées par la recherche sur le xviiie siècle dans le domaine de l’ornement, mais aussi le lieu où la théorie littéraire et la recherche historique ont croisé leurs chemins avec le plus de profit (Scott, 1995 ; Porter, 2002). Probablement éclipsée par ce que devaient en faire les néoclassiques, la théorie sous l’Ancien Régime n’a pas véritablement intéressé. Ici encore, l’Allemagne, et sa traditionnelle inclination à mêler théorie et esthétique, est une exception. Des figures du xviiie siècle, comme l’architecte et professeur d’art décoratif Karl Philip Moritz, dont les Vorbegriffe einer Theorie der Ornamente (Moritz, [1793] 1986) traduisent probablement l’esthétique kantienne et anticipent les lectures empathiques de Semper et de sa génération, ont suscité une recherche assidue (Franke, Paetzold, 1996).

Questions en suspens

29Étant donné le chemin compliqué et très sélectif qu’a dessiné la recherche sur l’ornement au cours des dernières décennies, beaucoup d’aspects n’ont évidemment pas été inclus dans les débats : l’ornement organique, les coquilles, les cadres, les frises sculptées et les médaillons, l’ornement figuratif, les consoles, les volutes, etc. n’apparaissent que rarement dans les écrits sur l’architecture et ne figurent véritablement encore que dans ceux qui concernent l’ornement au xviiie siècle. En outre, peu évoqués dans la littérature des traités classiques, comme je l’ai noté ailleurs, ils ont aussi été tenus pour la plupart en dehors de la recherche scientifique, même si les formes sont présentes partout, dans tous les édifices (Zerner, 1996). D’autres questions découlent de la façon dont l’ornement a ou n’a pas été traité. Ainsi le modèle de recherche ici décrit a-t-il favorisé certaines géographies et certains découpages temporels. L’accent mis sur les ordres privilégie la Renaissance au détriment du Moyen Âge et crée une hiérarchie non seulement pour les temps modernes (la Haute Renaissance en constituant l’apogée, le xve siècle le plaisant prélude, et le xviie siècle une métamorphose), mais relègue en quelque sorte le xive siècle dans les limbes (Payne, 2009). L’évaluation de l’ornement (et des ordres) en Europe du Nord du point de vue de l’Europe méridionale est tout autant problématique ; un peu comme si l’on lisait Van Eyck avec un œil sur Masaccio – ce qui a souvent été dénoncé dans la peinture, mais plus rarement analysé dans le domaine de l’architecture. Des efforts concertés pour saisir les formes architecturales dans leurs propres termes (c’est-à-dire dans leur cadre national) tels ceux que poursuit désormais depuis quelques années le Centre d’études supérieures de la Renaissance, à Tours, ont porté leurs fruits, mais il reste encore beaucoup à faire (Guillaume, 1988, 1992 ; Heck, Lemerle, Pauwels, 2000 ; Guillaume, 2003).

30Doit-on tenir le rejet de l’ornement pour responsable de l’ignorance dans laquelle ont été confinés pour la plupart les architectes sculpteurs, à l’inverse des « purs » architectes comme Palladio ou des théoriciens comme Alberti, au détriment cette fois de ceux qui suivirent des carrières mixtes ? Les préjugés en faveur d’un vocabulaire restreint, tellement évidents chez Burckhardt malgré la sympathie qu’on sent dans ses considérations sur l’ornement, sont demeurés et ont conditionné la recherche du xxe siècle, ce siècle moderniste qui a cherché à lire le squelette des bâtiments, laissant de côté ce qui était « superflu ». Les hybrides – patents dans l’ornement – ont été évités. L’ornement dans l’architecture du Nord – Milan, Bergame, en Italie, mais plus généralement en Europe du Nord – a été négligé et l’intérêt qu’il mérite ne lui est toujours pas accordé, pas plus qu’à l’architecture espagnole ou de l’Italie du Sud (lorsque la première est analysée, les ordres demeurent privilégiés, alors même que l’ornement plateresque reste dans l’ombre) ; quant à l’ornement de la période coloniale espagnole ou portugaise, il ne commence qu’aujourd’hui à attirer l’attention. Finalement, les éléments de construction essentiellement ornementaux (sols, plafonds, stucs et autres décorations murales permanentes) ont, eux aussi, difficilement capté l’intérêt. Ainsi les sols ornementaux, éléments importants de l’architecture des débuts des temps modernes, n’ont-ils pratiquement pas été étudiés ; ce n’est que très récemment que sont parus des ouvrages consacrés aux ornements des marbriers cosmatesques et à leur réception (Pajares-Ayuela, 2002 ; Del Bufalo, 2003).

   

31Peut-être le plus important à retenir de ce foisonnement d’écrits sur l’ornement, qu’ils datent du xixe ou du xxe siècle et qu’ils soient l’œuvre de scientifiques ou d’architectes/théoriciens, est le fait que l’une des caractéristiques principales de l’ornement est qu’il transcende les arts, indépendant des lieux, des matériaux ou des conventions. Motif facilement détachable de son support, l’ornement circule, libre, au plaisir des artistes, d’un tissage à une boiserie, d’une frise de temple à un détail de peinture, d’un plat de faïence à un traitement de façade. Et c’est aussi cette position à cheval entre les arts qui a compromis l’écriture de son histoire : chaque fois que la critique artistique se penchait sur la spécificité des différents arts et non sur leur dialogue, et que les frontières séparant les arts occupaient les penseurs plus que les liens les unissant – que ce fût dans les débats autour de Lessing et de son Laocoon au xviiie, ou dans ceux autour de Wölfflin et du malerisch au xixe ou encore autour de Greenberg et de sa définition du modernisme au xxe siècle (Payne, 2008) – une éclipse de l’ornement en résulta. En revanche, l’attention des architectes pour les motifs, les surfaces, la sculpture – on pense à Semper ou à Herzog & De Meuron – rétablit l’équilibre aussi souvent que la problématique des arts le déstabilise. Et c’est ce va-et-vient qui cause la courbe sinusoïdale de l’intérêt pour l’ornement, illustrant ses hauts et ses bas, mais faute desquels ni ses victoires ni ses chutes ne créeraient autant de drame dans le monde des arts.

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Alina Payne, « L’ornement architectural : du langage classique des temps modernes à l’aube du xxe siècle », Perspective, 1 | 2010, 77-96.

Référence électronique

Alina Payne, « L’ornement architectural : du langage classique des temps modernes à l’aube du xxe siècle », Perspective [En ligne], 1 | 2010, mis en ligne le 14 août 2013, consulté le 30 mars 2017. URL : http://perspective.revues.org/1220

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Auteur

Alina Payne

Professeur d’histoire de l’art et de l’architecture à l’Université d’Harvard, elle est l’auteur de The Architectural Treatise in the Italian Renaissance: Architectural Invention, Ornament and Literary Culture (1999) et de From Ornament to Object. Modern Architecture and the Rise of a Theory of Objects (à paraître). Elle est aussi éditrice de Known (2000) et co-éditrice de Antiquity and Its Interpreters (2000). Elle travaille actuellement à l’édition de trois volumes d’essais : Vision and Its Instruments ; Portable Archaeology and the Poetics of Influence: Croatia and the Mediterranean ; et Compact Artefacts: Triumphal Arches and the Paragone between the Arts. Elle a été récompensée en 2006 par le Prix de la recherche en sciences humaines Max Planck et Alexander von Humboldt.

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